1932, musikologen Wilfrid Perrett rapporterade till en publik vid Royal Musical Association i London orden från en icke namngiven professor i grekiska med musikaliska lutningar:"Ingen har någonsin gjort huvud eller svans av antik grekisk musik, och det kommer ingen någonsin att göra. På det sättet ligger galenskapen."

Verkligen, Forntida grekisk musik har länge utgjort en galen gåta. Ändå var musik överallt i det klassiska Grekland, med det mesta av poesin från omkring 750 f.Kr. till 350 f.Kr. - Homeros sånger, Sappho, och andra - komponerade och framförda som sjungen musik, ibland ackompanjerat av dans. Litterära texter ger rikliga och mycket specifika detaljer om noterna, vågar, effekter, och instrument som används. Lyran var ett vanligt drag, tillsammans med de populära aulos, två dubbelrörspipor som spelas samtidigt av en enda artist så att de låter som två kraftfulla oboer som spelas tillsammans.

Trots denna mängd information, känslan och ljudet av antik grekisk musik har visat sig vara otroligt svårfångad. Detta beror på att termerna och föreställningarna som finns i antika källor – mode, enharmonisk, diesis, och så vidare – är komplicerade och obekanta. Och även om noterad musik finns och kan tolkas tillförlitligt, den är knapphändig och fragmentarisk. Det som kunde rekonstrueras i praktiken har ofta låtit ganska konstigt och föga tilltalande – så antik grekisk musik hade av många ansetts vara en förlorad konst.

Men den senaste utvecklingen har på ett spännande sätt kullkastat denna dystra bedömning. Ett projekt för att undersöka antik grekisk musik som jag har arbetat med sedan 2013 har genererat fantastiska insikter om hur antika greker skapade musik. Min forskning har till och med lett till dess prestanda – och förhoppningsvis, i framtiden, vi kommer att se många fler sådana rekonstruktioner.

Nya tillvägagångssätt

Situationen har förändrats till stor del för att under de senaste åren har några mycket välbevarade auloi rekonstruerats av experttekniker som Robin Howell och forskare som är associerade med European Music Archaeology Project. Spelas av mycket skickliga pipers som Barnaby Brown och Callum Armstrong, de ger en trogen guide till tonhöjdsutbudet av gammal musik, såväl som till instrumentens egna tonhöjder, klangfärger, och stämningar.

Centralt i forntida sång var dess rytmer, och rytmerna i den antika grekiska musiken kan härledas från diktens meter. Dessa baserades strikt på varaktigheten av stavelser i ord, som skapar mönster av långa och korta element. Även om det inte finns några tempoindikationer för gamla sånger, det är ofta klart om en mätare ska sjungas snabbt eller långsamt (fram till uppfinningen av mekaniska kronometrar, tempot var i alla fall inte fixat, och var tvungen att variera mellan föreställningar). Att ställa in ett lämpligt tempo är viktigt om musiken ska låta rätt.

Hur är det med melodierna - melodin och harmonin? Detta är vad de flesta menar när de hävdar att antik grekisk "musik" är förlorad. Tusentals ord om teorin om melodi och harmoni finns kvar i skrifter av antika författare som Platon, Aristoteles, Aristoxenus, Ptolemaios, och Aristides Quintilianus; och några fragmentariska partitur med gammal musikalisk notation kom först fram i Florens i slutet av 1500-talet. Men dessa bevis för verklig musik gav ingen verklig känsla för de melodiska och harmoniska rikedomarna som vi lär oss från litterära källor.

Fler dokument med gammal notation på papyrus eller sten har intermittent kommit fram sedan 1581, och nu finns runt 60 fragment. Noggrant sammanställd, transkriberat, och tolkas av forskare som Martin West och Egert Pöhlmann, de ger oss en bättre chans att förstå hur musiken lät.

Forntida grekisk musik framförs

Det tidigaste betydande musikdokumentet, hittades 1892, bevarar en del av en refräng från den atenske tragedien Euripides' Orestes från 408 f.Kr. Det har länge ställt till problem för tolkning, främst på grund av dess användning av kvarttonsintervall, som har tyckts antyda en främmande melodisk känslighet. Västerländsk musik fungerar med hel- och halvtoner; alla mindre intervall låter i våra öron som om en ton spelas eller sjungs osams.

Men mina analyser av Orestes-fragmentet, publicerades tidigare i år, ledde till slående insikter. Först, Jag visade att delar av partituren tydligt indikerar ordmålning – imitationen av ordens betydelse genom formen på den melodiska linjen. Vi hittar en fallande kadens inställd på ordet "klanger", och ett stort uppåtgående intervallhopp som åtföljer ordet "hopp upp".

Andra, Jag visade att om kvartstonerna fungerade som "passeringsnoter", kompositionen var faktiskt tonal (fokuserad på en tonhöjd som låten regelbundet återgår till). Detta borde inte vara särskilt förvånande, eftersom en sådan tonalitet finns i alla dokument av antik musik från senare århundraden, inklusive de storskaliga Delphic Paeans bevarade på sten.

Med dessa lokaler i sikte, 2016 rekonstruerade jag musiken från Orestes papyrus för körförverkligande med aulos ackompanjemang, sätta ett snabbt tempo som anges av metern och innehållet i refrängens ord. Denna Orestes-kör framfördes av kör och aulos-spelare på Ashmolean Museum, Oxford, i juli 2017, tillsammans med andra rekonstruerade antika partitur.

Det återstår för mig att inse, under de närmaste åren, de återstående några dussin forntida partitur, många extremt fragmentariska, och att iscensätta ett komplett uråldrigt drama med historiskt informerad musik i en uråldrig teater som Epidauros.

Under tiden, en spännande slutsats kan dras. Den västerländska traditionen av klassisk musik sägs ofta börja med den gregorianska slättsången från 900-talet e.Kr. Men rekonstruktionen och framförandet av grekisk musik har visat att antik grekisk musik bör erkännas som roten till den europeiska musiktraditionen.

Denna artikel publicerades ursprungligen på The Conversation. Läs originalartikeln.